LLEGAR AL HORIZONTE

En este tan querido blog en el que hace ya varios años vengo derramando reflexiones y sentimientos, quiero dejar un video que refleja el momento en el que al fin llega uno a ese horizonte que parecía tan lejano, pero que al llegar vuelve a alejarse.

Porque el horizonte es una meta que invita pero no se deja alcanzar nunca y renueva desafíos, juega con las promesas y las vuelve irresistibles.

 Es entonces cuando las tormentas y desiertos superados se renuevan también, y volvemos a empezar un camino hacia otro horizonte. Con todos esos caminos dibujamos nuestra vida. La biografía de cada quién tiene rincones secretos, que solo su protagonista conoce íntimamente.

 Solo tú sabes lo que reíste y lloraste en esos recovecos.

 El inigualable Serrat lo describe muy bien en esta canción que figura entre mis favoritas de su repertorio.

 

FÉLIX LUNA Y ARIEL RAMÍREZ SIEMPRE ESTARÁN EN LA NAVIDAD NUESTRA

Con la muerte de Ariel Ramírez se cierra la elevación de la Misa Criolla a ese Cielo al que le cantaron él y Félix Luna, amigo de mi padre y autor literario de la otra obra que acompañó a la Misa Criolla en su lanzamiento: la Navidad Nuestra.

Hay músicos que se unen a nuestras propias biografías mediante un hilo invisible, el del arte. Como suele ocurrir, mi periplo por la música empezó en el rock. De allí pasé al tango en un día en que bajé de un colectivo y la voz de Gardel llegó a mis oídos. Y de allí recalé en el folklore, en busca de los acordes que me llegaban de la entraña argentina. En ese capítulo de mi recorrido musical, la primera obra que llegó a mis manos fue la Misa Criolla, que ya disfrutaba cuando la tocaban con charango incluido en la Misa de Nochebuena de Nuestra Señora de las Victorias, a donde iba con mis padres y hermanos cada año, antes de abrir los regalos. Esas misas me llevaron a tener el charango como mi instrumento folklórico favorito, y a las obras de Jaime Torres en la discoteca de casa.

Ahora son mis hijos los que escuchan la Misa Criolla en los días sagrados de diciembre, cuando el pesebre armado por ellos adorna nuestra casa.

En la misma época de aquellas misas de las Victorias íbamos a pasar unos días a Characato, un paraje de Córdoba que nadie conocía y en el cual se hallaba un hotel que hoy es un templo de mi infancia. Allí estaba Javier, el sobrino de Doña Elvira, que agarraba la guitarra y se ponía a cantar "La Anunciación de los Reyes", un takirari que integra la Navidad Nuestra. La última vez que estuve en Characato, creo, fue en enero del 86.

A modo de homenaje a Ariel Ramírez y Félix Luna, entonces, dejo aquí el "Gloria", mi parte preferida de la Misa Criolla, y "Los Reyes", el takirari de la Navidad Nuestra que cantaba el recordado Javier, en la voz de Los Fronterizos. Dos obras que el mundo entero ya conoce. Salud, maestros.

FELIZ CUMPLEAÑOS, FELIPE

El 30 de enero uno de mis músicos de cabecera cumplió 59 años y lo celebro con la versión en vivo de su primer tema solista: "In the air tonight". Feliz cumpleaños, Phil Collins.

EL CAMINO DE SANTIAGO, O LA PAZ EN EL ALMA

Las peregrinaciones a Santiago de Compostela se originaron en el presunto descubrimiento de los restos del apóstol Santiago en tierras españolas. En la Edad Media, viajeros de todo el mundo occidental llegaban tras varias semanas de caminatas a la tierra donde ofrecían su esfuerzo al santo, en el marco de una religiosidad mucho más profunda que la actual. Hoy en día, la peregrinación a Santiago ha tomado nuevos bríos, por motivos espirituales pero también de índole turística, qué duda cabe.

Aparentemente, no fue hasta que Guillermo de Fierabrás, conde de Aquitania, peregrinó hasta la diócesis de Iria que empezaron a llegar caminantes de otros lares. La travesía era algo usual en la época, dado que era entendida como una penitencia que había comenzado con los viajes a Tierra Santa, lugar cada vez más peligroso, y a Roma, donde estaban enterrados San Pedro y San Pablo. La tumba de Santiago había sido descubierta alrededor del 830, y en 1076 se empezó a construir una basílica en homenaje al santo venerado.

El Liber Saneti Jacobi (el Libro de Santiago), también llamado Codex Calixtinus, constituye el primer documento escrito sobre el Camino de Santiago e incluye una guía para el peregrino. Su versión completa puede encontrarse aquí.

De todas maneras, no es la peregrinación en sí lo que motiva estas líneas, sino la música inspirada en ella y reunida en la excelente obra de edición francesa "Les Chemins de Compostelle", que encontré sola y tímida en las bateas de una cadena de disquerías masiva cuyos vendedores no tenían ni idea de lo que estaban vendiendo, pese a sus inútiles cursos internos de marketing y atención al cliente. Los acordes que allí se dejan oir llenan el espíritu de paz y sugieren una profunda introspección.

No todo era tan romántico en el Camino de Santiago: el largo viaje estaba lleno de inconvenientes y aprovechadores, como lo atestigua la guía citada en la "Miscelánea Medieval", una obra preciosa de Judith Herrin de la cual extraigo el siguiente párrafo:

"Cerca de Port-de-Cize, en la población llamada Ostabat y en las de Saint-Jean y Saint-Michel-Pied-de-Port, los pérfidos guardas de frontera han de ser maldecidos para siempre jamás. A decir verdad, avanzan hacia los peregrinos enarbolando dos o tres garrotes, para arrancarles por la fuerza un injusto tributo. Y si alguno de los viajeros rehúsa concederles el dinero, lo apalean y le arrebatan el pago del peaje echando pestes por la boca y registrándole incluso en los calzones. Esta gente es muy violenta, y su bárbaro idioma sobresalta a cuantos la conocen".

Al leer estas líneas, resulta aún más admirable imaginar a esos abnegados caminantes soportando peligros, inclemencias climáticas y falta de comida, y además creando las melodías que acarician nuestros oídos a través de este disco doble. Los instrumentos corresponden a la época, entre ellos la guitarra sarracena, el arpa y el laúd.


He seleccionado algunos videos para que el amigo lector pueda escuchar la música de la que hablamos: los primeros son las Cantigas de Santa Maria, muy difundidas y de autoría del rey de Castilla Alfonso X el Sabio, que quiso homenajear a la Virgen María en idioma gallego. El primero muestra a los intérpretes, a los siguientes los he incluido también por la belleza de las imágenes medievales, en el tercero pueden hallarse más videos del mismo tenor.

El cuarto video es la Cantiga 26, que también figura en el disco que comento, y un locutor cuenta una historia que puede hallarse escrita aquí. Narra el encuentro de un peregrino con el diablo.






El video que sigue es una melodía del Llibre Vermell de Montserrat -o Libro Rojo de Montserrat, si mi catalán deducido no me falla-. Su título es "O Virgo splendens", es decir: "La Virgen resplandeciente", si mi escaso latín tampoco me falla. Esta obrita está en el disco del que hablamos.



El último himno es "Dum Pater Familias", y puede imaginarse uno a los peregrinos cantando por los caminos de España rumbo a la meta tan deseada. Se exhiben allí imágenes de los caminos que el peregrino recorre cuando va hasta Santiago, así que puede servir de inspiración para el interesado en el tema, como mi amigo-hermano Arturo, a quien dedico todo este comentario.

MOZART INÉDITO

Alguna vez he mencionado por acá el llamado efecto Mozart. Pues bien, recientemente descubrieron unas partituras inéditas del genio musical más grande de todos los tiempos, y en Salzburgo tocaron dos de esas obras, que el gran Wolfgang compuso cuando tenía... ¡siete años!

A través de BlogBis llegué a una nota de un diario francés donde se pueden escuchar las obras. Están en este enlace. Relájese el amigo lector, suba el volumen y después me cuenta.

A veces pienso que Mozart fue un ángel enviado por el Barba a la Tierra, que se divirtió un rato con nosotros y nos dejó un anticipo del Cielo en esta vida.

ADIÓS, REY DEL POP

Nunca fui uno de sus seguidores, pero hay artistas que pasan a la Historia nos gusten o no. Anoche volvía de jugar al fútbol como todos los jueves y un mensaje del Nono irrumpió en mi celular: "Me dio pena lo de Michael". Y sí, para cualquiera que haya incursionado en la música durante la década del 80, la de ayer fue una mala noticia.

Michael Jackson y los Rolling Stones siempre habían sido objeto de mis ácidas críticas, más que nada por la animadversión personal que me inspiraban y por gustos musicales disímiles. Pero cuando uno crece entiende que algunos se ubican más allá del bien y el mal artísticos. Por eso, hoy fui a una disquería y adquirí "Thriller".

Como diríamos en el barrio: "Chau, Negro, hasta siempre".

SE CASÓ FISH

Uno de los mayores referentes rockeros de este espacio es Derek William Dick, más conocido como Fish por la afición que tenía desde pequeño a quedarse mucho tiempo en la bañadera llena de agua.

El ex líder de Marillion, que estuvo por última vez en Buenos Aires en 2005 con motivo de los 20 años de "Misplaced Childhood", un disco emblemático del rock sinfónico de todos los tiempos, contrajo matrimonio el 30 de mayo último. Como se observa, el músico lució ataviado con la vestimenta propia de su Escocia natal, muy elegante junto a su resplandeciente esposa.

Mis humildes felicitaciones para ese mágico cantante que me miró desde el escenario, en el Grand Rex. Congrats, Fish!

LOUIS ARMSTRONG EN LOS AÑOS 20

El jazz tuvo una evolución (paralela al tango) a lo largo de todo el siglo pasado, y Louis Armstrong fue un protagonista fundamental en esa historia. Él transformó la música puramente instrumental en un arte masivo y popular fuera del ambiente propio del sur norteamericano, y él mismo pasó de ser un trompetista y clarinetista reconocido a una voz inconfundible en el panorama musical norteamericano. El disco que homenajeo hoy pertenece a los inicios de este gran hombre de New Orleans -donde nació el jazz, justamente-, venido al mundo en 1901. Su apodo, Satchmo, se originó en aquellos años, cuando un productor lo llamó así como abreviatura de Satchelmouth, es decir "Boca de Bolsa".

El viejo Lou no la tuvo fácil: en su infancia su familia fue abandonada por su padre, y él pasó varios períodos en el reformatorio a causa de delitos menores. Allí le aconsejaron que aprendiera a tocar algún instrumento, dado su interés por la música, que había empezado al contemplar los desfiles de orquestas populares por las calles de New Orleans. Antes de ser músico, Armstrong se ganaba la vida como estibador de barcos bananeros, vendedor de carbón y repartidor de leche.

Los Hot Five, grupo fundado en 1925, lo tenían a él como a uno de sus integrantes, y a su segunda esposa Lil como pianista. Los otros miembros eran Kid Ory en trombón, Johnny Dodds en clarinete y Johnny St. Cyr en banjo. Los Hot Seven eran los mismos Hot Five, con los agregados de tuba y percusión, y algunos cambios en la formación.

La unión entre Louis y Lil duró poco, hasta 1929, aunque ella viajó para su funeral en 1971, muy conmovida, y murió poco después. Al entierro del gran Lou asistieron varios caciques del jazz: Bing Crosby, Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra y Count Basie, entre otros.

Con el tiempo, Louis Armstrong, también llamado Pops, desarrolló una carrera con su propio nombre y la historia siguió por rumbos más conocidos, hasta la década del 60, cuando sus problemas de salud ya estaban presentes.

En el disco al que me refiero aquí podemos ver a un Satchmo que se luce como nunca al mando de su trompeta, porque su perfil de vocalista no estaba aún tan definido. No es posible reproducir videos de la época a la que pertenece el disco, pero podemos dejar otras versiones de estos temas: "West End Blues", un clásico en versión 1955 que muestra una improvisación famosa en su comienzo, y el tarareo simpático de Pops. Esta canción fue lanzada en una cápsula al espacio a fines de la década del 70, para que la escuchara quien estuviera ahí afuera. Allá sigue, dando vueltas.

La otra canción que he traído a este rincón es "Heebie Jeebies", que es la primera del disco y de la cual se dice que fue la primera en tener una letra sin sentido, debido a que Louis Armstrong se la había olvidado. Sin embargo, la leyenda no parece ser fiel a la verdad, la canción nació con esta modalidad y los Hot Five no hicieron más que repetirla.

Compré este disco ("The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Hot Seven Recordings") hace poco para seguir completando mi limitada colección de jazz, que reúne a otros grandes. Pero esta obra en particular me llamó la atención porque lleva a los primeros éxitos del jazz y de Louis Armstrong, quien es hoy, quizás, el patriarca del jazz. Lo primero que oí de este género fue de Glen Miller, que mi mamá siempre bailaba en sus fiestas de juventud, con la orquesta presente allí. Hoy, Miller encabeza la colección que también integra el personaje que homenajeo. En el margen derecho del blog podán ver, ya, la nueva obra de la que escribire próximamente.

CAMARÓN DE LA ISLA, EL CANTAOR DEL FLAMENCO

Son días de gloria para el flamenco. Sus representantes se pasean por los escenarios del mundo, aclamados como emblemas de una música pura que sale del alma. Tomatito, el Cigala, Ketama o Paco de Lucía son algunos de los nombres que cautivan al público internacional. Y entre ellos sobresale el de ese gitano ya fallecido, al cual hemos venido homenajeando desde el margen derecho en las últimas semanas. Camarón de la Isla, que de él se trata, nació en San Fernando (Cádiz) el 5 de diciembre de 1950. Su apodo se debió al color de su cabello. Le decín "Camarón de la Isla" debido a que su lugar de nacimiento está ubicado en la lengua de tierra que precede a la península donde está Cádiz (ciudad donde murió Bernardino Rivadavia), y que está separado de tierra firme por un brazo de mar.

Ya desde los siete años empezó a pasear su talento en medio del malestar económico que aquejaba a su familia, al que se sumó la muerte de su padre (tenía siete hermanos). En sus primeras apariciones fue visto por los grandes cantaores de la época, como el mismísimo Caracol.

No abundaré en detalles de su biografía, que pueden ver en los enlaces que voy dejando. Solo decir que cantó con todos los grandes de su patria, y se nos fue temprano, a los 41 años, de la mano del tabaco y las drogas. Curiosamente, murió en Badalona, en Cataluña. Existe un monumento en su honor en La Línea de la Concepción, frente al Peñón de Gibraltar, y donde se había casado en 1976.

En 1989 grabó el disco más vendido de la historia del flamenco, "Soy Gitano", cuya canción cabecera he querido seleccionar (con algunos efectos visuales bastante peculiares) para los videos que completan mi homenaje, junto a las letras de Machado en "La Saeta", con introducción de nuestro viejo conocido Joan Manuel Serrat y guitarra del también famoso Tomatito. Ese disco que nombramos, más "La Leyenda del Tiempo", que según dice los que saben revolucionó el flamenco, son dos obras maestras del género, un género que al igual que el fado o el tango, se originó en el alma misma de todo un pueblo, el gitano.

Como suelo hacer, relato brevemente cómo se ha dado mi relación con el flamenco. En 1995, en un viaje inolvidable por Cádiz y Andalucía, fui a ver y aplaudir a los bailaores en Granada y Torremolinos. En este último lugar me encontraba con dos rosarinas, una de las cuales estaba aprendiendo a bailar este género en Rosario. De repente, las bailarinas andaluzas bajaron del tablao y me invitaron a subir. Por supuesto era algo que hacían eligiendo a alguno de entre los turistas, aunque una vez que hube subido me puse a zapatear y no quería bajar, hasta que me lo indicaron diplomáticamente. Más allá de la anécdota, recuerdo cómo sentí la sangre correr por mis venas cuando fui a disfrutar del flamenco en aquel lugar de Sevilla. Hoy Paula y yo tenemos varios discos en nuestra frondosa discoteca, y de hecho zapateamos en nuestra entrada a la fiesta del casamiento (o por lo menos, yo lo hice en versión muy casera aunque no por eso menos esforzada).

Con respecto a Camarón en particular, llegué a él gracias a mi amigo Valentín -padrino de Pedrito- que me regaló el disco al que hoy hago honor allá por marzo de 1998, en Madrid.

PEDRITO SÍ QUE LA TIENE CLARA

Quien sabe de rock reconocerá lo que él está tratando de sacar de nuestra colección.

MADREDEUS ES EL FADO QUE LLENA DE PAZ

El emblema de la música portuguesa es el fado, esa mezcla de lamento y melancolía que tiñe sus melodías cotidianas, nacidas en el corazón del pueblo. Este ritmo nació entre gente humilde y trabajadora, como el tango en la Argentina. Con el tiempo se fue masificando y hoy representa a Portugal con fuerza universal.

La voz más conocida del fado, seguramente, es la de la gran Amalia Rodrigues (así, con "s"), quien cantaba letras como ésta:

"Lisboa, no seas francesa.
Tú eres portuguesa,
no vas a ser feliz."

A ese fado lo heredaron los muchachos de Madredeus: Teresa Salgueiro con su voz exquisita, la guitarra de Pedro Ayres Magalhaes y los teclados de Rodrigo Leao. Estos dos fueron los creadores del grupo, es decir, su alma. La lista se completa con José Peixoto, también en guitarra, Francisco Ribeiro en violoncelo y Gabriel Gómes en acordeón, con algunos cambios posteriores en la formación.

Teresa Salgueiro era una adolescente que cantaba fados pero también música "funk". Una vez que la descubrieron Pedro y Rodrigo, allá por 1985, empezaron a ensayar en una antigua iglesia de Lisboa convertida en teatro, junto al convento de Madredeus. De aquí vino el nombre del grupo. Allí mismo grabaron su primer album. Los éxitos no demoraron y las giras se sucedieron.

El disco que he presentado en el margen derecho es una antología de sus canciones, a la que le falta, en mi humilde opinión, "Matinal", la joya que da inicio al disco "Existir".

Actualmente el grupo se ha tomado un descanso colectivo, pues Teresa Salgueiro grabó un disco solista -que es el tercero de su carrera y no tiene la riqueza instrumental de Madredeus-, aunque confío en que Madredeus volverá a regalarnos su arte en breve.

Dejo tres videos con tres canciones de su "Antología": el primero es "Haja o que Houver", es decir "Pase lo que pase" en español, cuya letra, entre otras cosas, dice lo siguiente: "Pase lo que pase, yo estoy aquí. Pase lo que pase, espero por ti". Salgueiro ha cantado este tema con el mismísimo José Carreras.



La segunda canción es "O Pastor". La he incluido en una versión en vivo (Bruselas, 1994), donde se puede apreciar el virtuosismo de Salgueiro y toda la banda, que arranca con el contrabajo en solitario y se enlaza con los demás hasta la irrupción de la voz.



El tercer y último video que he elegido es "Ao Longe o Mar", una canción llena de nostalgia. "Cuando avisté el mar a lo lejos, allí me quedé". Algo que quien esto escribe ha hecho en incontables ocasiones.

Descubrí a Madredeus gracias a mi amigo Valentín Thury, digno padrino de Pedrito, quien me regaló el disco que hoy homenajeo en un cumpleaños feliz. No fue la primera vez que me trajo un descubrimiento a mi colección: ya lo había hecho en Madrid con Camarón de la Isla, pero ese es otro cantar.

Hay muchas canciones de Madredeus que podrían haber figurado en la pequeña galería de videos, algunas instrumentales, que son sencillamente perfectas. Las tres que hoy recomiendo están a la altura. Que las disfruten.

ADIÓS, RICHARD WRIGHT

Fue uno de los fundadores de la -para mí- mejor banda de rock de la historia: Pink Floyd. Los teclados fueron siempre suyos, excepto en "The Final Cut", el disco que marcó la despedida de Roger Waters y ya no lo tenía como miembro de la banda debido a las peleas entre ambos durante la gira de "The Wall". Después volvió, cuando Gilmour y Mason decidieron darle unos años más a la banda y una gira final inolvidable.

El consagratorio "Dark Side of the Moon" lo tuvo como uno de sus principales autores, y en su honor encontrarán más abajo "Us and Them", un himno en la versión de la gira "Pulse", la última de Pink Floyd en 1994.

Se juntaron todos hace poco, para el Live 8, y él también participó de los recitales que ofreció Gilmour después de su último disco solista. Su voz sonó en varias de las canciones de Pink Floyd, y sin él, el cuarteto mágico de Waters, Gilmour, Wright y Mason queda definitivamente en el pasado.

Primero fue Barrett, el espíritu inspirador de la banda. Hoy es Wright. No nos dejen solos.

EL DISCO: NIGHTS FROM THE ALHAMBRA

Pocos saben que Loreena McKennitt no es irlandesa o escocesa, sino canadiense. Nacida en la región central de Manitoba, esta cantante de música celta no ha editado una gran cantidad de discos de estudio a sus 51 años, pero sí los ha hecho de una calidad suprema. En esta ocasión me refiero a "Nights from the Alhambra", la obra que grabó después de tres días de conciertos al aire libre, del 13 al 15 de septiembre de 2006, en un lugar que, según sus propias palabras, guarda nuestros sueños de eternidad dentro de sus piedras.

La Alhambra, en Granada, fue la capital del dominio moro en España, hasta que fueron expulsados en 1492. El historiador Ibn-Al-Jatib la describió de esta manera: "Hay allí tal abundancia de aguas que, desbordándose a torrentes de los estanques y albercas, forman en la pendiente arroyos y cascadas, cuyo sonoro murmullo se escucha a larga distancia. Rodean el muro de aquella población dilatados jardines, propios del sultán, y arboledas frondosísimas, brillando como astros, a través de su verde espesura, las blancas almenas. No hay, en fin, en torno de aquel recinto, espacio alguno que no esté poblado de jardines, de cármenes y de huertos".

Pues bien, cuando los moros perdieron su última posesión en España, que era Granada, la madre del sultán Aixa, le lanzó a su hijo, Boabdil el Chico, la famosa frase: "Llora como mujer lo que no has sabido defender como hombre".

Más allá de si esta sentencia se corresponde con lo sucedido o no, este fue el escenario del concierto que Loreena McKennitt ofreció, acompañada de su acordeón, su arpa y su piano, y toda una banda que incluía, entre otros, a Caroline Lavelle en el cello, una intérprete que también ha trabajado con Peter Gabriel, Radiohead y los Chieftains irlandeses.

Este disco repasa canciones de sus discos anteriores y también del que estaba por publicarse ("The Ancient Muse"), con joyas tales como "Marco Polo".

Hay disponible un resumen de 8 minutos con retazos del repertorio que la artista ejecutó en el recital, pero he preferido dejar aquí dos canciones: la primera, "She Moved Through the Fair", una melodía tradicional de la costa occidental irlandesa, y una de las primeras que la cantante aprendió de ese país. La segunda es "Cymbeline", que es de su disco "The Visit", y se nutre de las letras que William Shakespeare escribió alrededor de 1610. He elegido esta canción porque en ella la riqueza vocal de Loreena McKennitt se muestra claramente junto a su arpa.

Como siempre, el último párrafo es para mi relación con la obra. Loreena McKennitt es una de esas artistas de música celta, junto a Enya o el grupo Celtic Woman, que me traen paz después de jornadas agitadas, plenas de vértigo y cansancio. Su voz es exquisita, y el hecho de que hubiera grabado este recital en un lugar del que guardo un recuerdo muy particular me llevó a escucharlo de inmediato. Quien ha estado en La Alhambra, subiendo esa cuesta bajo una luna blanca y redonda de Pascua, sabe de qué hablo. Que viva Granada.

EL DISCO: NYC MAN, DE LOU REED

Lou Reed es un "enfant terrible" del rock neoyorquino. Fundador de la Velvet Underground en los años 60 (con aquella tapa de disco famosa de Andy Warhol) Reed había recibido en su adolescencia, según cuentan, un tratamiento electroconvulsivo contra la homosexualidad, el cual no parece haber dado mayores resultados.

La Velvet, una banda de culto entre los rockeros que saben, llegó hasta 1973, aunque su líder ya la había dejado en 1970 para preparar su carrera como solista. Su primer tema famoso en solitario fue "Walk on the Wild Side", si bien él no lo tiene entre sus favoritos y prefiere mencionar a otros que pertenecían al disco en cuestión ("Transformer") y pasaron a un segundo plano en el aspecto comercial. "El tema que realmente me gustaba era "Hangin' Around", y esa es la razón por la que nadie me escucha", dice el compositor con ácida ironía.

Lou Reed es un personaje rico en matices, cuyas letras han recorrido temas oscuros como la heroína, la violencia en las calles y los vicios. En 2000 tocó ante el Papa Juan Pablo II, y en 2003 sacó un disco titulado "The Raven" inspirado en Edgar Allan Poe. De ese mismo año es el disco que hoy traemos a este espacio.

"NYC Man" es un disco doble que repasa toda la carrera de Lou Reed, y sus temas fueron seleccionados y supervisados en la producción por el mismo autor. Es muy recomendable para quienes quieran conocer la riqueza de este cantautor y guitarrista que ha inspirado a tantos músicos con su estilo rockero y blusero por momentos.

Dejo dos videos de dos momentos muy diferentes en la biografía musical de Lou Reed: el primero es "Vicious", un clásico en vivo, en París 1974, en sus inicios como solista. La imagen no es buena, pero hay que mirar bien la vestimenta y los gestos del protagonista. El otro video es "Pale Blue Eyes", una vieja canción que cierra los 31 temas incluidos en "NYC Man" y pertenece a la era de la Velvet. Esta versión es del año 98 y nos muestra a un "viejo Lou", más calmo y ¿maduro?.

Estas líneas están dedicadas al Capitán Escarlata, quien fue el primero en hablarme de Lou Reed.

EL DISCO DE LA SEMANA: SERRAT EN DIRECTO

Joan Manuel Serrat nació en Barcelona el 27 de diciembre de 1943, y es uno de esos tipos a los que uno envidia por vivir de lo que le gusta, y además haciendo feliz a mucha gente. A los 64 años, sigue convocando multitudes, como probó otra vez en su gira con Joaquín Sabina.

El disco que homenajeo esta vez pertenece al punto donde su carrera como autor empezó a tomar rumbos menos poéticos y más comerciales, desde mi humilde opinión. Basta con fijarse en los tres discos anteriores y los tres posteriores a éste, que vio la luz en 1984: "1978", "En Tránsito" y "Cada Loco con su Tema" son mucho más ricos que "El Sur también Existe" (aunque tenga letras de Benedetti), "Bienaventurados" y "Utopía". Tienen un vuelo poético mayor y menos política fácil.

"En Directo", como su nombre lo indica, reproduce las canciones que tocó durante la gira de "Cada Loco con su Tema", pero tiene muchos temas de la primera época, la mejor. Aquella en la que escribía como un poeta, a aquellas pequeñas cosas que él mismo honró en una canción.

"Cantares", "Mediterráneo", "Sinceramente Tuyo" (que he elegido para el video del final), "El Titiritero", "Romance de Curro el Palmo", "La Saeta", "Paraules D'Amor" y "Lucía" son joyas de Serrat que están presentes en este disco doble, en el que también aparece el tango "Cambalache".

En mi biografía musical, Serrat ocupa un lugar de privilegio. Cuando era un purrete mi hermana intentaba grabarlo de un disco de vinilo a un cassette, y para ello nos obligaba a todos a guardar silencio durante algo más de una hora. Inútil y antipático intento. Sin embargo, fueron ellas, las mayores, las que me introdujeron al mundo de Serrat. Cuando me empezó a gustar su música, ellas ya se habían ido a sus vidas de adultos, pero yo me había quedado con el cassette doble de este disco que hoy comento, el primero que tuve de él.

Con los años, este catalán se fue metiendo en mis días, a través de muchas letras que acompañaban tristezas y sentimientos encontrados. Y el día que nos casamos, Paula y yo quisimos entrar a nuestra fiesta bailando "El Amor, Amor", una canción iberoamericana que él interpreta en su disco "Tarrés", y que provocó un zapateo desenfrenado de este servidor ante las palmas de nuestros invitados. En nuestro video de esa noche, la canción de cierre es "Es Caprichoso el Azar", un tema que en su relato se parece bastante a la forma en que conocí a la mejor mujer del mundo, es decir, Paula. Hoy, con dos hijas y Pedrito en camino, catorce discos de Serrat me contemplan desde nuestra frondosa discoteca cada vez que me siento a escribir.

Como me dijo mi amigo Gonzalo Mayo cierta vez, si a uno le dieran a elegir ser alguien que no fuera uno, quizás Serrat sería el elegido. Para escribir como él lo hizo durante muchos años, cantar con esa voz que supo tener y ponerle música y carisma a los sentimientos de tantas y tantas personas.

SE VA EL 2007, ASOMA EL 2008

Un año termina, y otro empieza con promesa de centenario para el Ciclón, que como aperitivo fue campeón en el 2007 y buscará la Copa. Mientras tanto, quiero dejar aquí un resumen de la música que se incorporó a mi hogar durante este año que llega a su ocaso. Como aclaración previa, deseo dejar sentado que en mi opinión la música no tiene edad, es decir que eso de descartar algo por tener más de diez años de antigüedad o pavadas por el estilo no corren en este espacio.

Las dos bandas protagonistas del año fueron, sin dudas, Coldplay y los Beach Boys (y de allí la aclaración previa). En el caso de los primeros, sus tres discos de estudio pasaron a integrar la discoteca de nuestro hogar, y fueron los preferidos de Paula. De los Beach Boys llegaron los remasterizados "Surfin' Safari / Surfin' USA", "Concert / Live in London" y "Smiley Smile / Wild Honey", además de "The Warmth of the Sun", su última salida al mercado con una selección de temas no tan famosos.

También aproveché ofertas de una conocida disquería para seguir sumando en nuestra colección de Pink Floyd: "A Saucerful of Secrets", "Relics", "Meddle", "Animals" y "A Momentary Lapse of Reason". De ellos, el penúltimo es mi preferido. Solo me faltan "More" y "The Piper at the Gates of Dawn" y la serie estará completa. Además, sumé la ópera de Roger Waters, "Ca Ira", y "About Face", un disco que David Gilmour grabó como solista en 1984, en pleno distanciamiento de Waters de la banda.

Fish, el ex vocalista de Marillion, apareció con aire fresco, y aportó su acústico doble -"Communion"- interpretado en una iglesia de Edimburgo, más su última creación, "13th Star", que compuso después de un nuevo desengaño amoroso, el cual fue una mala noticia para él pero no para su inspiración musical, que está a la altura de sus mejores obras.

Otros rockeros presentes en mis adquisiciones fueron Led Zeppelin, con su "Remasters" doble, David Byrne, ex líder de Talking Heads, con "Grown Backwards", el disco en vivo "Queen on Fire", que tiene una buena selección de la banda de Freddy Mercury, y el viejo Lou Reed con "NYC Man", otra antología doble. También incorporé a Alanis Morissette con su "Unplugged", muy recomendable, y la selección de hits en "The Collection". El primer album de Supertramp, que lleva el nombre de la banda, se sumó a la lista.

Mark Knopfler, el ex Dire Straits, sacó otro disco en la misma tónica de los anteriores, algo más country, de nombre "Kill to Get Crimson". Muy bueno. Para matizar, agregué una antología de los ochentosos Huey Lewis and the News, el clásico "Set" de Youssu N'Dour y una buena selección de los irlandeses Cranberries.

En el ámbito del rock nacional, que no es mi preferido pero siempre está, incorporé a "Grasa de las Capitales" de Serú Girán, "Elija y Gane", del Flaco Spinetta, "1000 Vivos" de Los Pericos, "La Biblia" de Vox Dei (un infaltable en cualquier colección que se precie) y una antología doble, y clásica, de Los Abuelos de la Nada.

El folklore estuvo bastante activo: Los Chalchaleros fueron protagonistas en mi lista, y también se sumaron Jaime Torres, Uña Ramos, Eduardo Falú, José Larralde, Jorge Cafrune, Falú y Moguilevsky, Juanjo Domínguez, Jorge Cumbo y el excelente guitarrista de Corrientes Mateo Villalba (con una versión del himno en guitarra digna de ser escuchada). Luna Monti y Juan Quintero también nos entregaron una obra agradable, aunque no imprescindible para mi gusto (a Paula le gustan mucho).

El tango me trajo otra vez al Flaco Rivero con "Milongas". Los discos de tango suelen ser más baratos que ciertos productos marketineros que la gente increíblemente compra bajo el nombre de música. La disquería que está en la calle Lavalle casi esquina Florida, yendo hacia el Bajo, me nutrió de mucho tango y folklore con ofertas a diez pesos de discos muy buenos, ya mencionados más arriba. Recomiendo sobre todo los discos de la colección "Guitarras del Mundo", un festival que se hace en Buenos Aires anualmente.

Otro rubro movido fue el celta, con los dos últimos discos de Enya a la cabeza ("A Day without Rain" y "Amarantine"), más el gallego Carlos Núñez y su gaita en "Mayo Longo" (que no terminó de conformarme por ser demasiado heterogéneo a mi gusto) y los argentinos de Xeito Novo con los excelentes "Campustellae" y "Luz de Invierno". Además, me compré un disquito de celta medieval con ciertas reservas: "Tocando el Aire en el Bosque sin Retorno". Fue una agradable sorpresa, hecha por argentinos.

La bossa nova sumó en mi discoteca la caja de cuatro discos de Vinicius y Toquinho, que no necesitan descripción. Excelsos, aunque un poco cortos en extensión. De Caetano Veloso me traje una antología doble, muy completa.

El reggae me trajo un descubrimiento: los argentinos de Dancing Mood, con tres de sus cuatro obras: "20 Minutos", "Vol. 2" y "Groovin' High".

Nunca descuido el flamenco, que tanto me gustó en mis andanzas por Andalucía. Ahora adquirí el disco doble de Diego El Cigala, "Corren Tiempos de Alegría" y "Teatro Real". Este cantaor está de moda en la música de por allá, y es muy bueno.

Por el lado del jazz, llegó John Coltrane con una recopilación de temas que en realidad ya tenía en un disco regalado por mi amigo Guillermo Golich. Así pues, lo tengo por dos. También incorporé al infaltable Glen Miller, a cuya orquesta iba mi madre a ver con mi abuela en sus fiestas de juventud.

En cuanto al rubro melódico, Serrat sigue agigantándose en nuestra sala. Ahora agregamos "1978", que incluye la poco conocida pero muy especial "Qué bonito es Badalona", "En Tránsito" y "El Sur También Existe", que tiene letras de Benedetti pero es para mí uno de los discos más flojos del catalán. También se sumó "En Directo", que es brillante. Sabina, por su lado, agregó "Física y Química".

Por último, la mamá: la música clásica. Este año adquirimos una excelente selección de obras de Mozart en 15 discos, que incluye su biografía en 1200 páginas pequeñas y de muy buena edición, y autoría de H. C. Robbins Landon, autor de varios libros sobre la vida de Mozart. Además, sumamos "Música Medieval y Renacentista" interpretada por el Conjunto Pro Música de Rosario, "Canciones Ladinas y Españolas" interpretadas por el Conjunto de Música Antigua del Collegium Musicum de Buenos Aires y un disco de "Joyas del Barroco", que efectivamente contiene perlitas como el Canon de Pachelbel, el Concierto en Do Menor de Pachelbel o el Adagio de Albinoni.

A esto se agregaron algunas obras de corte infantil, que Sofía y Valentina van coleccionando en su reino.

En fin, son éstas largas líneas, pero es una buena señal de que la música le puso mucho ritmo al 2007 y alegró nuestras vidas, porque la música alegra el alma, o por lo menos educa la sensibilidad. La aparición de La Pecera a la derecha de mis columnas ilustró esa convicción.

Los 500 discos son o prometen ser una realidad en nuestro hogar. No me he puesto a contarlos, pero sospecho que la cifra es un hecho. En 366 días (porque el 2008 será bisiesto o no será), aparecerán nuevos nombres en este espacio.

Pedrito, desde su sereno rincón, adivina un destino lleno de música.

EL DISCO DE LA SEMANA: BICICLETA

"Bicicleta", en 1980, fue el tercer album de la banda más virtuosa que, a mi humilde juicio, dio el rock argentino en lo que va de su historia: Serú Girán. Un músico clásico como Pedro Aznar, un rockero como David Lebón, una "máquina" en la batería, como definió David a Oscar Moro, y Charly.

Serú Girán duró poco tiempo, y era previsible que así fuera, porque tanto talento concentrado en un grupo tiende a generar roces artísticos y personales. En este caso, la decisión de Aznar de seguir su carrera en los Estados Unidos precipitó la división de la banda, desgastada por las discusiones entre los dos vocalistas principales, y por la incertidumbre sobre su rumbo musical. Fue una maratón desde 1978 hasta 1982, con un opaco regreso en 1992 que sirvió solo para regalarnos un rato de nostalgia y engrosar la cuenta bancaria de los cuatro Serús.

"Bicicleta" era el nombre que Charly García había propuesto para la banda en sus inicios, pero los demás no dieron su acuerdo, y entonces quedó para el mejor disco de los cinco en estudio de Serú.

"A los Jóvenes de Ayer" es un canto a la melancolía irónica de las generaciones anteriores. "Míralos, están tramando algo. Cuídalos, son como inofensivos", canta un calmo García. Y la onda sigue en "Cuánto Tiempo Más Llevará", bajo la voz más melodiosa de David.

"Canción de Alicia en el País" es la canción emblemática de la protesta política en la Argentina. Fue tocada por la banda en sus recitales de 1980 y 1981 en la catedral de Obras, bajo la vigilancia de los militares. Pero la letra era intrincada y metafórica, oculta bajo la cándida historia de Alicia, el personaje de Lewis Carroll.

"La Luna de Marzo" parece un separador instrumental hacia la segunda parte del disco, pero es una obra maestra en sí misma, con la batuta de los deliciosos teclados de Aznar. Después sí, sobreviene "Mientras Miro las Nuevas Olas", con más nostalgia de lo que fue y ahora se repite en la gilada presuntamente innovadora. "La historia prosigue pero amigo, yo ya la vi", nos dice Charly frente a los que tapan toda la arena con celofán, los supuestos modernos que copian.

"Desarma y Sangra" es uno de mis temas preferidos, y la voz de García se luce en la comodidad de una melodía tranquila y difusa, acompañado por el piano.

"Tema de Nayla" y "Encuentro con el Diablo" tienen el sello de Lebón, y alcanza con decir eso.

Serú Girán ya no existe como banda, y Moro se nos fue, así que nunca más volveremos a tener aquella formación. Quizás sea mejor así, tener esa imagen de los cuatro cuando eran jóvenes, soñadores y frescos para crear y clamar.

Mi primer recuerdo de Serú Girán es "No Llores por Mí, Argentina", un disco que grabaron en vivo en 1982. Esa canción prendió de inmediato en mi ignorancia musical de ese entonces, junto con "Popotitos", que por ahí sonaba en alguna fiesta casera de esas a las que uno iba a hablar de fútbol con sus amigos, bailar lentos y comer papas fritas en la mesa que había servido la mamá de la chica que se animaba a dar esa fiesta.

El video que sigue es de Obras en vivo, en 1981. Se trata del primer tema del disco: "A los Jóvenes de Ayer", una composición de rock sinfónico que en ese entonces fue innovadora por estos lares. El sonido y la imagen no son los mejores, debido a los limitados recursos de la época, pero vale la pena verlos en directo.

EL DISCO DE LA SEMANA: MISPLACED CHILDHOOD

Existen pocos discos que mantengan un nivel parejo a lo largo de todos sus temas. En esta sección ya nos hemos ocupado de uno de ellos. Y es que el rock sinfónico se presta a esa exigencia, porque a diferencia del pop, cuya fuerza está en los singles, gira alrededor de un estilo bien identificado, un sonido acorde y un concepto que recorre toda la obra. El disco que he elegido en esta ocasión es uno de esos pocos cuyas canciones conforman un todo inescindible, pero bien individualizado en cada una de ellas.

"Misplaced Childhood" es una de las obras maestras de la segunda generación del rock sinfónico, en la voz de Fish, primer vocalista de Marillion. Con él fuera de la banda empezó otro grupo, con el mismo nombre pero otro espíritu y un sonido distinto. El verdadero nombre de Fish, digamos de paso, es Dereck William Dick, y su apodo se debe a que de chico le gustaba quedarse mucho tiempo en la bañadera.

El album fue editado en 1985, cuando Fish ya pensaba en abandonar Marillion, sentado a la barra del "White Swan Pub", que según propias palabras se había convertido en un anexo de su casa. Las giras lo agotaban y lo dejaban a merced de los vicios. Uno de esos días, un sobre llegó a manos de Fish: era una pastilla que una antigua novia le había enviado de regalo. Después de tomarla y de ser consecuentemente refugiado en su casa por su compañero de banda Steve Rothery, Fish soñó que un niño vestido de soldado lo observaba y se esfumaba cuando el músico lo miraba de reojo. Fish llamó a Rothery y le dijo que tenía otro proyecto de disco en mente: en ese instante empezó todo.

"Misplaced Childhood" fue una insolente aventura en medio del creciente reinado del pop y las radios comerciales. Tenía solo dos temas -"Kayleigh" y "Lavender"- que podían ser pasados en esas radios como singles. El resto era sinfónico puro, perfectamente ensamblado. Fue grabado en Berlín, en un estudio bastante sórdido que había servido como oficina de las SS nazis, y a metros del lúgubre Muro de Berlín, que subsistía incólume todavía en 1985.

Marillion había empezado en 1979. Su primer disco había sido "B-sides themselves", que contenía el mítico tema "Grendel", al cual ya me he referido. Más tarde vinieron "Script for a Jester's Tear", "Fugazi" y "Misplaced Childhood", que los consagró definitivamente. El último album con Fish en la banda fue "Clutching at Straws". El escocés lanzó su carrera solista y Marillion incorporó a Steve Hogarth como vocalista, a mi juicio muy lejos de la calidad vocal y el carisma de Fish. Hasta hoy siguen en actividad y han sacado numerosos discos, pero el verdadero Marillion, para muchos, quedó en la lejana década del 80.

Su formación se completaba con Steve Rothery en guitarra, Mark Kelly en teclados, Pete Trewavas en bajo e Ian Mosley en batería, en reemplazo de Mick Pointer.

Escuché "Misplaced Childhood" por primera vez gracias a mi amigo el Omar, quien tenía el CD y me lo prestó. Yo sabía que en ese disco estaba "Kayleigh", aquella canción con la que me había topado tantas veces en las FM. Pero cuando escuché el disco entero, me quedé extasiado con su sonido y con la voz de Fish, y tuve que conseguirme el resto de sus discos. Más tarde, con platita de mis sueldos de cadete, pude seguir de cerca la carrera solista de Fish e ir a verlo dos veces a sus recitales, el último de ellos hace dos años, cuando celebró el vigésimo aniversario de "Misplaced Childhood" tocándolo entero con su banda. En un momento de ese recital intercambió unos gestos de acompañamiento conmigo, al ver que recitaba las letras con él.

El video que dejo contiene la primera parte del disco, interpretado en vivo. "Pseudo Silk Kimono", "Kayleigh" y "Lavender" no tienen desperdicio. Para escuchar el resto, habrá que comprarse el disco (piratear jamás).

EL DISCO DE LA SEMANA: CARLOS GARDEL - SUS 40 TANGOS MÁS FAMOSOS

Un día, allá por el 89, me bajé del colectivo en la puerta de una disquería y mi oído se encontró de casualidad con Gardel. Ese instante fue el de mi nacimiento al tango, del cual nunca pude separarme. Sonaba el Zorzal y sentí ese no sé qué de ser porteño y llevar el tango en las venas. Me compré un cassette con tapa gris, que conservo, y lo hice girar una y otra vez en el minicomponente, hasta aprender las letras de "Mi Buenos Aires Querido", "El Día que me Quieras" o "Cuesta Abajo". Después llegaron Julio Sosa, el Polaco Goyeneche y el Gordo Troilo. Pero todo empezó con Gardel.

No voy a escribir sobre él como hago de otras bandas o cantantes que me gustan y ocupan este espacio. Sencillamente quiero rendirle homenaje, porque cada día canta mejor y en su voz pervive la Buenos Aires gloriosa, la Reina del Plata que cobijó a un francesito venido de allende el océano y se rindió a sus pies. Los uruguayos lo reclaman como propio, pero la documentación parece probar lo contrario. Tan solo agregar que asistió a un colegio salesiano donde era compañero del ahora beato Ceferino Namuncurá. De hecho, fue relegado al segundo lugar por el descendiente del cacique mapuche en un concurso de canto.

El video que he elegido para esta ocasión es "Por una Cabeza". Se ve allí al Morocho del Abasto en la cubierta de un barco, junto al cantante y bailarín porteño Tito Lusiardo, que lo mira con admiración y se compenetra con la canción.

EL DISCO DE LA SEMANA: BROTHERS IN ARMS

El lector habitual y atento habrá observado que cuando elijo a una banda como protagonista de la semana, selecciono una foto del grupo. En este caso, mi homenaje gráfico es para el líder de la que fuera una de las bandas más exitosas de los años 80, y no justamente por el camino del punk rock. Me refiero a Mark Knopfler, el escocés de Glasgow que comandó Dire Straits durante sus 18 años de discos y conciertos, selectos al principio, multitudinarios al final. Y el album que despertó la atención del público masivo fue el que aquí nos congrega: Brothers in Arms.

Dire Straits fue fundada en 1977 por Mark Knopfler, quien ya tenía el título universitario de Profesor de Literatura, y se las rebuscaba como periodista en un par de diarios pero sentía que su verdadera vocación pasaba por la música. Así pues, junto a su hermano David, más John Ilsley en bajo y Pick Withers en batería, empezaron a tocar en los pubs, y sacaron cuatro discos de éxito menor, pero de alta calidad y cada vez mayor popularidad. El gran clásico "Sultans of Swing" fue producto del primero de ellos.

"Hermanos Abrazados", o "Hermanos en Armas", fue el que les abrió las puertas de los grandes escenarios en 1985. Fue el primero grabado con sonido digital y difundido en formato de CD, una verdadera innovación para la época. David Knopfler ya no estaba en la banda, peleado con su hermano. Mark era la voz y la guitarra, y estaba secundado por el ya mencionado John Ilsley en bajo, Alan Clark (quien también ha grabado con Bob Dylan) y Guy Fletcher en teclados, y Terry Williams (quien ha sido músico de sesión de monstruos como BB King y el ya nombrado Bob Dylan) en batería.

El disco empieza con los tranquilos acordes de "So Far Away", que lejos están de dar pistas sobre los platos fuertes que vienen después: tres éxitos que han trascendido el disco y marcado la trayectoria de Dire Straits.

El primero es "Money for Nothing", un tema excepcional que Knopfler compuso con la colaboración de Sting, que también hace los coros en él. Su introducción es una de los mejores que recuerde en el género pop. La canción, que fue grabada en Monserrat, donde Sting estaba de vacaciones, fue todo un éxito como single y fue usado por la MTV para promocionarse, ya que en él se oye la voz del vocalista de The Police que dice: "I want my MTV". El video fue el primero difundido a través del por entonces novedoso canal MTV en Europa.

"Walk of Life" es otro tema que hizo arder las pistas ochentosas, y para aflojar con tanta adrenalina, lo sigue el tranquilo "Your Latest Trick". De este último, recomiendo firmemente, además del original, la versión en vivo en el disco "On the Night".

El tema siguiente es otra exquisitez: "Why Worry", un tema que a mí personalmente me llega al corazón. A continuación, los que refuerzan el disco, en un tono más tranquilo: "Ride Across the River" y "The Man's Too Strong". "One World" se parece quizás a los dos discos previos de la banda, en su cadencia.

Para coronar el album, otro tema legendario: "Brothers in Arms", que además de darle el nombre al disco le brinda un cierre intimista, lento y extenso. Más que una canción de un album pop, es una reflexión de Knopfler frente a la guerra. "There's so many different worlds / so many different suns / and we have just one world / but we live in different ones". Lo que le da brillo a esos acordes no es el tema de la guerra, nada original, sino el ritmo cansado y reflexivo del genial guitarrista, respaldado por un teclado que insinúa dramatismo y una tímida percusión.

Siempre agrego un pequeño párrafo para pintar mi recuerdo personal de cada disco. En este caso, "Brothers in Arms" fue uno de los primeros cassettes que tuve en mi poder, grabado por el Nono, que seleccionó las canciones que más le gustaban de él para que entraran en un solo lado de 45 minutos. Tiempos de adolescencia, cuando el único grabador disponible en mi casa era el de mis hermanas, un Crown con teclas de esas que quedaban hundidas al presionarse, y me quedaba horas esperando que pasaran alguna canción en especial por la FM Láser 102 para grabarla. Más acá en el tiempo, tuve la oportunidad de admirar el virtuosismo de Knopfler en el recital que dio en el Luna Park en abril de 2001. Fue el primer concierto al que concurrí con Paula, y fue después de él que mi primo Carlitos conoció a la dueña de mis días. Nos esperó fumando un pucho en la esquina de Bouchard y Lavalle, y fuimos a comer pizza a "Las Cuartetas" con Arteche y Hot.

Mark Knopfler ha desarrollado, antes y después de la disolución de Dire Straits en 1995, una carrera solista que llega hasta hoy. En septiembre de 2007 sacó su última obra, "Kill to Get Crimson", que recomiendo a quien busque algo distinto en el empobrecido presente musical. Se mueve entre el blues y el country folk norteamericano.

El video de cierre de esta columna semanal, esta vez, es doble. Por un lado, el todopoderoso "Money for Nothing", pionero en imágenes computarizadas, el cual preveía un mayor detalle en los dibujos, pero se quedó corto de presupuesto. En segundo lugar, "Brothers in Arms", otro video muy recordado, con escenas que parecen pintadas en carbonilla y oscilan entre la guitarra de Knopfler y la desoladora guerra en las trincheras.